對於繪畫 我們應該用怎樣的態度去看待他，可說是一種觀察、一種對事物的態度、一種哲理。當看到任何物體，想要將你所見，置入平面材料之中，必須經過描繪的階段，從直覺式的形體捕捉開始，你的本能(instinct)就是將外形給描繪(description)出，而盡可能的達到肉眼所謂的準確。這裡所說的是肉眼的準確；而非概念的準確，在這個階段，客體是大於主體。而這個概念是平面的、象徵的，它沒有面的概念，甚至到體的觀念。當然，這前提是，假設你要更深入的製造深度幻覺，在這個思維中 腦中並沒有任何意識要改變它 因為受限於它的外形，而這差別在於有意識與無意識。
點、線、面、體，這個與造形息息相關的元素中，單純直觀式的描繪是停留在線的概念。要將所看到的對象，轉化成面跟面的關係才會有體的呈現，而這面與面的關係裡，又必須對如何在平面中「製造幻覺」有所認識，也就是說在認知裡，應該要有具有基本對製造幻覺的認識，才能夠分析、下判斷。 而這個前備知識，在五百年前，文藝復興的前輩們已經有所探索、歸納，從文藝復興前期到盛期：馬薩奇歐（Masaccio 1401-1428）、曼鐵那（Mantegna, Andrea 1431-1506 ）、達文西（Leonardo da Vinci 1452-1519）、米開朗基羅（Michelangelo Buonarroti 1475-1564）到拉斐爾（Raphel 1483-1520）。製造空間的透視法(perspective)、空氣透視法(sufmato)和對生物合理結構認識的解剖學(anatomy) 以及對色彩認識的色彩學(chromatology)。 在傳統的觀念之下，主客關係是關於具像(figurative)與抽象(abstract)的差異呈現，在我看來，幾乎所有的藝術表現都是「主體大於客體」只要是有意識的要進行改變，就是在這原則之下。在西方的藝術活動中，可以說印象主義跟二十世紀後半的超寫實主義 “趨近”於客體大於主體的這個觀念，因為它旨在忠實呈現 ，呈現的效果如何？那是形式跟技巧的問題，重點在於藝術家的「創作意識」 在剛才所描述的前備知識中，腦中已經形成了概念(idea) ，有了概念之後，進行描繪、創造，這樣下來，幻覺就足以呈現。 或者是說，我們套用後印象主義的(Post-Impressionism)塞尚所提出的：「世間萬物是由各式的幾何造型(geometric form)所構成的」。由這個觀念出發，可以更幫助我們去分析結構(analysis of the composition) 將對象「簡化」，就是幾何化、結構化。有能力進行對物體的解構之後，接下來就是重新建構出新的結構，所以正確的來說，在看到物體的同時，它是個結構，但是我們必須知覺式的將它解構後再建構，到目前為止是在腦發中發生的事。接下來，需實地的將腦中的結構，在畫面中再解構，再建構出一個屬於自己的結構，跟傳統的自然描繪差別在於：要將它結構化的進行分析、判斷在執行。 在這看似複雜的結構過程中，其實只是差別於，要有足夠的認識進行有意識的創作，表現出來的結果，才有其穩固的實體感和空間感，就算創作的是抽象藝術也是有結構的關係存在。繪畫始終無法脫離結構的重要性，因為前提是我們在「構成」。我所訴求的觀點就是結構的重要性，無論是進行哪種形式的平面創作， 畫面的結構關係著呈現效果，所以經過認識訓練的創作者，面對對象物，它是一個個的結構組成，不單單只是形狀和線條。
